Stillleben
Als Stillleben bezeichnet man in der Geschichte der europäischen Kunsttradition die als Arrangement eigenständige Darstellung von in der Regel kleineren Gegenständen, deren Auswahl und Gruppierung nach inhaltlichen und ästhetischen Aspekten erfolgte. Zur eigenständigen Gattung der Malerei wurden diese Darstellungen im Barock.
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Entwicklung
Die Darstellungen von gegenständlichen Beziehungen und Bedeutungen sind in allen Kulturen der Welt bekannt. Im Mittelmeerraum tauchten auf den späteren Stillleben ähnliche Motive, meist in dekorativen Zusammenhängen, in der altägyptischen, der hellenistischen und der römischen Kunst auf als Wandbilder, Mosaiken oder Reliefs. In den pompejanischen Wandbildern sind Beispiele erhalten, die in verschiedenen Anordnungen gruppierte Esswaren, Kultgefäße oder kleine Dinge, wie zum Beispiel Schreibgerät oder Münzen, zeigen. Im Mittelalter und der frühen Neuzeit schränkte der transzendentale Zusammenhang der künstlerischen Darstellungen die Gegenstände ein auf ihren symbolischen Zeichencharakter, der in den sich säkularisierenden Künsten des 17. Jahrhunderts, insbesondere in den Niederlanden, eine eigene Bildgattung hervorbrachte, in denen sich die Kompositionen der Gegenstände lesen und deuten ließen. Die seither etablierte Form, Gegenstände zu gruppieren und als in sich abgeschlossene Kompositionen zu gestalten und mit Bedeutung aufzuladen, bildete bis in die Moderne eine Tradition für Künstler, sowohl in der Fotografie als auch in den nicht mehr den klassischen künstlerischen Gattungen zuzuordnenden Gestaltungen, wie zum Beispiel der Objektkunst oder dem Environment in der Kunst des 20. Jahrhunderts.
=== Gegenstände in der Kunst .
Stillleben des Barock
Die Epoche des Barock (etwa 1600–1770) war die große Zeit des Stilllebens, welches in Holland und Flandern zur Zeit des Calvinismus seine reichste Ausprägung erfuhr. Anliegen der Maler barocker Stillleben war es, mit der Wiedergabe der Gegenstände eine symbolisch verschlüsselte Botschaft, einen gedanklichen Inhalt, zu vermitteln. Das höchste der Gefühle war die Ausarbeitung der perfekten Nachahmung der Natur mit Hilfe von sogenannten Florilien, Naturstudien. Die Mimesis der Darstellung, die Täuschung der Wahrnehmung, findet ihren Höhepunkt im Trompe l'oeil, dem vorgetäuschten Objekt, der vorgetäuschten Nische.
Die Künstler bedienten sich etlicher Motive, die den „Vanitas-Gedanken“, also die Vergänglichkeit allen irdischen Seins, zum Ausdruck bringen. (Siehe Symbole in barocken Stillleben)
Andererseits weisen vor allem niederländische Stillleben Symbole des Reichtums auf, die den der Auftraggeber und des Landes widerspiegelten.
Sowohl diesem Zweck als auch der Darstellung des hohen Bildungsstands und der Sammelleidenschaft der Auftraggeber dienten Bilder von Kleinodien- oder Kunstkammerschränken, wie sie beispielsweise der deutsche Maler Johann Georg Hinz malte.
Zur Widerspiegelung des holländischen Wohlstands dienten auch die sogenannten Blumenstücke. Holland war bereits zur Zeit des Barocks ein Knotenpunkt des internationalen Blumenhandels und viele dieser Blumen waren sehr kostbar.
Doch auch die Blumenstücke hatten neben ihrer ästhetischen und repräsentativen Bedeutung auch eine Symbolische, da oftmals Blumen, die in der Natur zu verschiedenen Zeiten blühen, in einem Strauß arrangiert wurden, wie beispielsweise das Blumenstück des Ambrosius Bosschaert.
Zusammenfassend ist zu sagen, dass die Ausprägung des barocken Stilllebens sehr vielfältig war, die barocken Maler ihre Motive in realistischer Manier darstellten und sich um eine harmonische Komposition bemühten, die jedoch den Anschein des Zufälligen haben sollte.
Symbole in barocken Stillleben
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- Apfel, Pfirsich
- für den Sündenfall,
- aber auch für den Geschmack als einen der „fünf Sinne“, die Aristoteles unterschied. (Zu den „fünf Sinnen“ siehe auch den Abschnitt „Wahrnehmungsvermögen“ unter Aristoteles – Psychologie: Theorie des Lebendigseins)
- Bilder, Gemälde
- Hinweis auf Rang und Bedeutung des Auftraggebers oder des Besitzers,
- der Augensinn bei den „fünf Sinnen“.
- Blumen
- Vanitas, denn sie verwelken schnell und verlieren dadurch ihre Schönheit,
- Offenbarung Gottes,
- Verherrlichung Gottes in seinen Werken.
- Brot und Wein
- Eucharistie, Abendmahlssymbolik, Leib und Blut Christi.
- Bücher
- Anspielung auf nutzlosen Zeitvertreib, eitle Wissenschaft; durch rechten Gebrauch führen sie zu Belehrung und Erbauung.
- Ei
- Symbol der Auferstehung.
- Fisch, insbesondere Hering
- Fastenspeise, die Speise armer Leute, Symbol Christi in Verbindung mit dem Abendmahl;
- bei den „vier Elementen“ als das Wasser zu verstehen.
- Früchte, halbierte oder angebissene
- verweisen auf den Sündenfall,
- aber auch auf den Geschmackssinn als einen der „fünf Sinne“.
- Gefäße, zerbrochene (Gläser, Schalen, Töpfe)
- die Eitelkeit alles Irdischen (siehe Memento Mori, das heißt „Gedenke des Todes“).
- Geld oder Geldbeutel
- Reichtum oder
- käufliche Liebe. Der Geldbeutel spielt in seiner äußeren Gestalt häufig auf das weibliche Geschlecht an.
- Genussmittel wie Tabak, Konfekt, Pasteten usw.
- Verschwendungssucht, Laster, Völlerei.
- Gläser oder Pokale, leere
- das entleerte, ausgelebte Leben
- Hintergrund, dunkler
- Todeserwartung und Ewigkeit.
- Hirschkäfer
- Der Tod kann schnell kommen, wie dieser Käfer.
- Hündchen
- Zeichen für eheliche Treue.
- Insekten, Käfer, Fliegen, Würmer, Eidechsen oder dergleichen
- Sinnbilder des Teufels, der Sünde, der Vernichtung, des Bösen, aus Fäulnis geboren.
- Käse
- Speise der Unsterblichkeit ==> festgewordene Milch – Christus selbst als „himmlische Milch“, Fastenspeise, Alltagsspeise einfacher Leute.
- Krebs
- rückwärts bzw. seitwärts gehend ist er eine Anspielung auf die Verkehrtheit und Verrücktheit der Welt.
- Lichter, verlöschende, zum Beispiel Öllampen, Kerzen
- das Zerrinnen der Zeit, Hinweis auf die unausweichliche ewige Dunkelheit im Tod, insbesondere Kerzen weisen auf die Vergänglichkeit, die Endlichkeit des Lebens hin.
- Lilie, weiße
- Hinweis auf die Gottes Mutter Maria, Reinheit, Keuschheit, Unschuld und reine Seele
- Münzen (römische)
- als ein Hinweis auf das untergegangene Römische Reich oder
- vergänglichen Reichtum.
- Muscheln, Meeresschnecken
- tote Schale, einstiges Leben,
- Sammelungsgegenstand menschlicher Eitelkeit.
- Nautiluspokal
- Hinweis auf die Seefahrt,
- die Weisheit als Lenker in der Seefahrt,
- Prunkobjekt, Attribut für Besitz und persönliche Bedeutung.
- Noten, Musikinstrumente
- weist auf die Flüchtigkeit der Töne hin, ebenso wie in der Redewendung „etwas vergehe wie Schall und Rauch“,
- Anspielung auf die Bildung desjenigen der das Bild in Auftrag gibt bzw. besitzt,
- steht außerdem für das Gehör als einen der „fünf Sinne“.
- Nuss, halbierte oder geöffnete
- Passionssymbolik, die zwei Naturen Christi, die menschliche Hülle musste zerbrechen, die Kreuzigung enthüllte das Göttliche. (Siehe auch weiter unten unter „Walnuss“.)
- Reichtümer wie Gold- und Silbergeschirr, Ketten, Perlen
- überflüssiger Luxus, nichtiger Tand,
- Anspielung auf die Eitelkeit.
- Sanduhr, meistens fast abgelaufen
- verweist auf die Flüchtigkeit des Zeitlichen;
- Attribut des Knochenmannes.
- Schinken, ebenso wie Keulen oder Braten
- stehen für reichliches Essen und Völlerei.
- Schmetterling
- Zeichen für die Seele und die Auferstehung.
- Seifenblasen, in denen sich häufig irdische Güter widerspiegeln
- Anspielung auf die Momenthaftigkeit des Seins, das ganze Leben ist nur ein Spiegel und Schaum und wird bald platzen.
- Spiegel
- die Scheinhaftigkeit des Daseins, Eitelkeit und Schönheit, Irritation und Blendung.
- Spiegelnde Oberflächen wie Vasen, Glaskugeln
- Reflexionen der damaligen Gesellschaft.
- Süßigkeiten, Gebäck, Austern sowie kostbare Gewürze
- Hingabe an die Begierden, Zeichen für Lüsternheit und häufig antithetisch zu Fastenspeisen gesetzt wie Käse, Brot und Hering,
- auch eine Mahnung zur Bescheidenheit.
- Tabakspfeifen
- erzeugen nichts als Rauch (siehe die obige Erläuterung „Genussmittel“).
- Taschenuhr
- sehr geschätzte Qualität für „das rechte Maß“.
- Tiere, erlegte oder Jagdtrophäen
- das Recht des Herrschers (Jagdrecht) auch über die Natur, da die Jagd ein Privileg des Adels war.
- Totenkopf
- Meditationsgegenstand, halb Mensch – halb Ding, Zeichen für die Todesverfallenheit alles Irdischen.
- umgefallene bzw. umgestülpte Dinge, meist Gefäße oder Instrumente
- Tod, entleertes Leben.
- Vögel
- Symbole der Seele und der Auferstehung,
- für die Luft als eines der „vier Elemente“.
- Walnuss
- Symbol für Christus, sein Kreuz soll aus Walnussholz gewesen sein;
- Symbol für Licht durch Walnussöl. (Siehe auch weiter oben unter „Nuss“.)
- Waffen, Rüstungen, Harnische
- Sinnbilder für Tapferkeit, Ruhm und Kühnheit.
- Weintrauben oder Beeren
- Hinweis auf Christus, wie die Trauben für den Wein verbraucht werden, so habe Christus seinen Leib für die Versöhnung hingegeben.
- Zitrone, eventuell angeschnitten
- Sinnbild für das äußerlich Schöne, dessen Inneres sauer ist – weist auf die Fragwürdigkeit des Genusses hin, der zwar süß zu genießen sei, aber ein bitteres Ende habe.
Jean Siméon Chardin
Um 1660 kam es zur Stagnation in der Entwicklung des Stilllebens, die Ausprägung seiner Motivgruppen war nun abgeschlossen. Künstlerisch und inhaltlich folgte nichts Neues, sodass es im 18. Jahrhundert zu einem Qualitätsverlust der Bilder kam.
Eine Ausnahme war jedoch der französische Maler Jean Siméon Chardin, der von 1699 bis 1779 lebte. Er war ein Maler der Aufklärung, der Jean-Jacques Rousseaus Forderung „Retour à la Nature“(Zurück zur Natur) entsprach, wobei dies die Abkehr von der Scheinhaftigkeit der höfischen Lebensweise hin zur schlichten Natürlichkeit bedeutete. Chardin öffnete, in deutlicher Abgrenzung zur Darstellung der feinen Gesellschaft durch andere Maler, den Blick für das Leben jenseits der aristokratischen Leichtlebigkeit und der frivolen Spielerei.
Häufig stellte er in seinen stillen Bildern das bescheidene Leben des Dritten Standes dar. So unterscheidet sich auch seine Motivwahl drastisch von der des barocken Prunkstilllebens:
In den Vordergrund trat einfaches, alltägliches, bürgerliches Gerät, das er von seinem ideologischen Ballast, wie religiöse und moralische Belehrungen („memento-mori-“ oder auch „Vanitas-Gedanke“), befreite. Für Chardin bedeuteten die Gegenstände nicht mehr als sie selbst. Somit wurde durch Chardin der wesentlichste Schritt zum autonomen Kunstwerk der Moderne vollzogen; sein Werk wurde zum Wendepunkt hin zur modernen Malerei. Die Farbigkeit seiner streng aufgebauten Werke, sein aufgelöster Farbauftrag wurde von den Impressionisten als vorbildlich angesehen. Die unendlich abgestuften, innerbildlichen Farb- und Formbezüge waren ihm wichtiger als das Interesse an den dargestellten Gegenständen. Die Farbmaterie gewann somit an selbstständigem Gewicht, seine Bildgegenstände wirken dadurch wie in Farbe eingelassen.
Chardin gilt heute mit seinen nicht anmaßenden oder selbstgefälligen Sujets, die ganz der Ideologie der Aufklärer entsprachen, als einer der großen Meister der Stilllebenmalerei.
Hauptvertreter
Die Hauptvertreter der niederländischen Stilllebenmalerei sind: Jan Brueghel der Ältere, David Bailly, Frans Snyders, Hercules Pieterszoon Seghers, die Familie de Heem, Abraham van Beyeren, Willem Kalf, Pieter Claesz, Willem Claesz Heda, Willem van Aelst, Balthasar van der Ast, Gerard Dou, Jan Fyt, Jan Baptist Weenix, Rachel Ruysch, Jan van Huysum u.v.a.
Daneben ist für die französische Stilllebenmalerei dieser Zeit Sebastian Stoskopff (1597–1657) zu nennen. Für seine Arbeiten ist die Reduktion auf wenige Objekte wie Becher, Pokale, Gläser kennzeichnend. In Frankfurt/Hanau gab es eine Stillleben-Szene, die durch ausgewanderte Niederländer wie Lucas van Valckenborch begründet wurde. Ihr gehörten, neben Stoskopff, Maler wie sein Lehrer Daniel Soreau, dessen Söhne und Schüler Isaak und Peter, Peter Binoit, Franz Godin und Georg Flegel an. Im Gegensatz zur Stilllebenmalerei in Holland und Flandern blieben sowohl die Familie Soreau, als auch größtenteils Binoit ihren Motiven treu und wichen nicht auf „barocke“ Motive aus. [1]
Im 19. Jahrhundert kam das Stillleben wieder sehr in Mode, in Frankreich besonders durch Jean Baptiste Robie, Antoine Vollon und Philippe Rousseau, in Deutschland durch Johann Wilhelm Preyer und seine Tochter Emilie (beide Düsseldorf), die Berliner Charles Hoguet, Paul Meyerheim, Hertel, Theude und Renée Grönland, Friedrich Heimerdinger (Hamburg), namentlich aber auch durch die Malerinnen Louise Begas-Parmentier, Hermione von Preuschen, Margarethe Hormuth-Kallmorgen und Elise Hedinger.
Im späten 19. und dem 20. Jahrhundert haben u.a. Paul Cézanne, Georges Braque, Juan Gris, Max Beckmann, Giorgio Morandi, Georgia O'Keeffe, Horst Janssen und Eberhard Schlotter dieses Genre aufgegriffen.
Fotografische Stillleben
Fotografische Stillleben werden meist mit ihrem englischen Namen „still-life photography“ bezeichnet. Darunter versteht man die Aufnahme von Gegenständen. Neben den künstlerischen Still-Life Aufnahmen gibt es als eigene Gruppe rein technische Sach- oder Produktaufnahmen, wie man sie häufig in der so genannten „angewandten Fotografie“ (z.B. Werbung) antrifft.
Fotografische Stillleben wurden u.a. durch John Blackmore, Robert Mapplethorpe und viele andere geschaffen.
Literatur
- Sybille Ebert-Schifferer: Die Geschichte des Stillebens, München, Hirmer Verlag 1998 (La natura morta, Mailand 1998; Natures mortes, Paris 1999; Still Life: A History, New York 1999) (die franz. Ausgabe erhielt 1999 den Prix François Sommer "Album"); dazu ausführliche Rezension http://www.cosmopolis.ch/cosmo7/Sybille.htm
- Claus Grimm: Stilleben. Die niederländischen und deutschen Meister. Stuttgart/Zürich: 1988 ISBN 3-7630-1945-6
- Gerhard Langemeyer, Hans Albert Peters (Hrsg): Stilleben in Europa. Münster 1979 (Ausstellungskatalog Münster und Baden Baden)
- Lexikon der Kunst. Bd. IV. Berlin, 1981 ISBN 3-8843-6110-4
- Franz-Xaver Schlegel: Das Leben der toten Dinge – Studien zur modernen Sachfotografie in den USA 1914–1935. 2 Bände, Stuttgart: Art in Life 1999, ISBN 300-004-407-8
- Norbert Schneider: Stilleben. Realität und Symbolik der Dinge. Köln, 1989 ISBN 3-8228-0398-7
- Christoph Wetzel: Reclams Buch der Kunst. Stuttgart: Philipp Reclam jun., 2001, ISBN 3-15-010476-9
Einzelnachweise
- ↑ Gerhard Bott: Der Stillebenmaler Daniel Soreau und seine Schule in: Kurt Wettengl: Georg Flegel (1566–1638), Stilleben: [Publikation zur Ausstellung „Georg Flegel (1566–1638), Stilleben“ des Historischen Museums Frankfurt am Main in Zusammenarbeit mit der Schirn Kunsthalle Frankfurt vom 18. Dezember bis 13. Februar 1994]. Hatje, Stuttgart 1993, ISBN 3-7757-0472-8
