Stillleben
Unter Stillleben (zusammengesetzt aus stilles + Leben; vgl. holländ. Stilleven, engl. Still-life, franz. Nature morte, ital. Riposo) versteht man einen Zweig der Malerei, welcher die Darstellung lebloser Gegenstände, wie toter Tiere (Wild, Geflügel und Fische), Haus-, Küchen- und Tischgeräte, Früchte, Blumen, Kostbarkeiten, Raritäten etc., zum Gegenstand hat. Diese Malerei versucht besonders durch ein geschicktes Arrangement, durch koloristische Reize und feine Beleuchtung zu wirken.
Seit der Erfindung der Fotografie im 19. Jahrhundert wurde das Stillleben auch in diesem Kunstgenre zu einem klassischen Thema.
Historische Entwicklung
Schon im Altertum entwickelte sich das Stillleben seit der alexandrinischen Zeit zu größter Blüte, wofür die pompejanischen Wandbilder noch zahlreiche Beispiele liefern.
Die Malerei der Renaissance behandelte das Stillleben nicht als eine selbständige Gattung der Malerei. Seit dem Anfang des 17. Jahrhunderts wurde es jedoch von den niederländischen Malerinnen in großem Umfang kultiviert und zur höchsten Perfektion entwickelt. Dabei sind zwei Richtungen zu unterscheiden, deren eine nach glänzender koloristischer Wirkung bei einer mehr aufs Ganze gerichteten dekorativen Behandlung strebte, während die andere mehr auf die peinlich genaue, miniaturartige Wiedergabe der Einzelheiten sah.
Fast immer liegt den Stillleben ein "memento mori" zugrunde.
Stillleben des Barock
Die Epoche des Barock (etwa 1600-1730) war die große Zeit des Stilllebens, welches in Holland und Flandern seine reichste Ausprägung erfuhr. Anliegen der Maler barocker Stillleben war es, mit der Wiedergabe der Gegenstände eine symbolisch verschlüsselte Botschaft, einen gedanklichen Inhalt, zu vermitteln.
Hierfür bedienten sie sich einerseits Motiven, die den "Vanitas-Gedanken", also die
Endlichkeit allen irdischen Seins, zum Ausdruck bringen:
- erlöschende Kerze
- Totenkopf
- umgefallener Krug/halbleeres Glas Wein
- Käfer (bes. Hirschkäfer: der Tod kann schnell kommen, weil dieser Käfer auch schnell ist)
- Sanduhr (meistens fast abgelaufen)
- verwelkte Blumen/faulende Früchte
- römische Münzen (als ein Hinweis auf das untergegangene Römische Reich)
- Glasvasen (durch ihre Zerbrechlichkeit und durch flüchtige Refexionen auf ihrer Oberfläche)
Andererseits weisen vor allem niederländische Stillleben Symbole des Reichtums auf, die den der Auftraggeber und des Landes widerspiegelten.
Sowohl diesem Zwecke als auch der Darstellung des hohen Bildungsstands und der Sammelleidenschaft der Auftraggeber dienten Bilder von Kleinodien- oder Kunstkammerschränken, wie sie beispielsweise der deutsche Maler Johan Georg Hinz malte.
Zur Widerspiegelung des holländischen Wohlstands dienten auch die sogenannten Blumenstücke.
Holland war bereits zur Zeit des Barocks ein Knotenpunkt des internationalen Blumenhandels und viele dieser Blumen waren sehr kostbar.
Doch auch die Blumenstücke hatten neben ihrer ästhetischen und repräsentativen Bedeutung auch eine Symbolische, da oftmals Blumen, die in der Natur zu verschiedenen Zeiten blühen, in einem Strauß arrangiert wurden, wie beispielsweise das "Blumenstück" vom Maler Ambrosius Bosschaert.
Zusammenfassend ist zu sagen, dass die Ausprägung des barocken Stilllebens sehr vielfältig war, die barocken Maler ihre Motive in realistischer Manier darstellten und sich um eine harmonische Komposition bemühten, die jedoch den Anschein des Zufälligen haben sollte.
Um 1660 kam es zur Stagnation in der Entwicklung des Stilllebens, die Ausprägung seiner Motivgruppen war nun abgeschlossen. Künstlerisch und inhaltlich folgte nichts Neues, sodass es im 18. Jahrhundert zu einem Qualitätsverlust der Bilder kam.
Eine Ausnahme war jedoch der französische Maler Jean-Baptiste-Siméon Chardin, der von 1699 bis 1779 lebte. Er war ein Maler der Aufklärung, der Jean-Jacques Rousseaus Forderung "Retour à la Nature - Zurück zur Natur"
entsprach, wobei dies die Abkehr von der Scheinhaftigkeit der höfischen Lebensweise hin zur schlichten Natürlichkeit bedeutete. Chardin öffnete, in deutlicher Abgrenzung zur Darstellung der feinen Gesellschaft durch andere Maler, den Blick für das Leben jenseits der aristokratischen Leichtlebigkeit und der frivolen Spielerei.
Häufig stellte er in seinen stillen Bildern das bescheidene Leben des Dritten Standes dar.
So unterscheidet sich auch seine Motivwahl drastisch von der des barocken Prunkstilllebens:
In den Vordergrund trat einfaches, alltägliches, bürgerliches Gerät, das er von seinem ideologischen Ballast, wie religiöse und moralische Belehrungen ( "memento mori- oder auch "Vanitas-Gedanke"), befreite. Für Chardin bedeuteten die Gegenstände nicht mehr als sie selbst. Somit wurde durch Chardin der wesentlichste Schritt zum autonomen Kunstwerk der Moderne vollzogen; sein Werk wurde zum Wendepunkt hin zur modernen Malerei.
Die Farbigkeit seiner streng aufgebauten Werke, sein aufgelöster Farbauftrag wurde von den Impressionisten als vorbildlich angesehen. Die unendlich abgestuften, innerbildlichen Farb- und Formbezüge waren ihm wichtiger als das Interesse an den dargestellten Gegenständen. Die Farbmaterie
gewann somit an selbstständigem Gewicht, seine Bildgegenstände wirken dadurch wie in Farbe eingelassen.
Chardin gilt heute mit seinen nicht anmaßenden oder selbstgefälligen Sujets, die ganz der Ideologie der Aufklärer entsprachen, als einer der großen Meister der Stilllebenmalerei.
Hauptvertreter
Die Hauptvertreter der niederländischen Stilllebenmalerei sind: Jan Brueghel der Ältere, Frans Snyders, Herkules Seghers, die Familie de Heem, Abraham van Beyeren, Willem Kalf, Pieter Claesz, Willem Claesz Heda, Willem van Aelst, Balthasar van der Ast, Gerard Dou, Jan Fyt, Jan Baptist Weenix, Rachel Ruysch, Jan van Huysum u.v.a.
Im 19. Jahrhundert kam das Stillleben wieder sehr in Mode, in Frankreich besonders durch Jean Baptiste Robie, Antoine Vollon und Philippe Rousseau, in Deutschland durch Johann Wilhelm Preyer (Düsseldorf), die Berliner Charles Hoguet, Paul Meyerheim, Hertel, Theude und Renée Grönland, Friedrich Heimerdinger (Hamburg), namentlich aber auch durch die Malerinnen Louise Begas-Parmentier, Hermione von Preuschen, Margarethe Hormuth-Kallmorgen und Elise Hedinger.
Im späten 19. und dem 20. Jahrhundert haben u.a. Paul Cézanne, Georges Braque, Juan Gris, Giorgio Morandi, Georgia O´Keeffe und Eberhard Schlotter dieses Genre aufgegriffen.
Fotografische Stillleben
Fotografische Stillleben werden meist mit ihrem englischen Namen "still-life photography" bezeichnet. Darunter versteht man die Aufnahme von Gegenständen. Neben den künstlerischen Stillife Aufnahmen zählen auch rein technische Sach- oder Produktaufnahmen, wie man sie häufig in der Werbung antrifft, zu diesem Gebiet.
Fotografische Stillleben wurden u.a. durch John Blackmore, Robert Mapplethorpe und viele andere geschaffen.
Siehe auch: Blumen- und Früchtemalerei.
Literatur
- Stillleben, in: Meyers Konversationslexikon, 4. Aufl. 1888, Bd. 15, S. 329.
Vorlage:Meyers ist obsolet; heißt jetzt Vorlage:Hinweis Meyers 1888–1890